Exposición: El cielo, el infierno y algo intermedio: Arte popular portugués - Entrevista con Anthony Shelton

Por Elaine Ávila, colaboradora

Cielo, infierno y algo intermedio: arte popular portugués

fue una exposición de arte comisariada por el profesor Anthony Shelton, de más de 300 obras de arte popular portugués en el Museo de Antropología de la Universidad de British Columbia, en Vancouver, Canadá, del 12 de mayo al 12 de octubre de 2015.

La exhibición incluyó exquisitas marionetas, estatuillas, máscaras de carnaval y cerámica. Las proyecciones de grafitis digitales y las instalaciones inteligentes permitieron que las obras de arte se enfrentaran entre sí. Estas proyecciones procedían de arriba, arremolinándose debajo de la obra de arte como llamas o desde un lado, derramándose sobre la obra de arte, como las olas del océano. Las obras de arte a veces estaban cerca del espectador, acurrucadas en pequeñas mesas, proyectando largas sombras en las paredes o colgando sobre nosotros. Los paneles curatoriales, tanto en portugués como en inglés, ampliaron el conocimiento del espectador sobre todo lo portugués, desde los mitos del mar hasta la geografía, desde los santos hasta los demonios, desde la política hasta los desfiles de los pueblos. Las obras de arte estaban bellamente trabajadas, a menudo muy teatrales, y expresaban éxtasis, sufrimiento, política, religión, alegría y comunidad de maneras que son exclusivas de los portugueses. Raincoast Books ha publicado recientemente un libro para acompañar la exposición,el cielo, el infierno y algún punto intermedio; Arte popular portugués por Anthony Alan Shelton ,

disponible en septiembre de 2015. El libro incluye un análisis en profundidad del arte y la cultura popular portuguesa, con excelentes fotografías de 40 obras de arte y otras 60 imágenes de apoyo que dan contexto a la obra de arte, incluidos graffiti, artistas callejeros, frescos medievales y artistas en sus estudios. El curador de esta exquisita exposición es el director del museo y profesor Anthony Shelton, quien tiene una amplia experiencia en el arte mexicano y latinoamericano, y experiencia en cambiar las prácticas en torno al coleccionismo y la exhibición de arte. En esta entrevista, comparte sus inspiraciones y experiencias con Revista Portuguesa Americana

lectoresElaine Ávila :

¿Qué te inspiró a curar esta exposición?antonio shelton :

Vine a Canadá de la Universidad de Coimbra y fui recibido por Terry Costa y la Sociedad Benevolente Portuguesa. Apoyé las campañas de Terry para dar a la comunidad portuguesa más perfil en Vancouver y respaldé su intento exitoso de tener un día en el calendario cívico nombrado en honor del país y proporcioné un lugar para algunos de sus eventos. Llegó el día en que Terry me preguntó si el Museo de Antropología (MOA) haría una exposición sobre Portugal. Me dijo que, a pesar del tamaño de la población portuguesa en Canadá, ninguna galería de arte o museo importante había realizado nunca una exposición sobre un tema portugués. Hablamos y decidimos hacer una exposición mucho menos ambiciosa que retratara a 15 artistas populares. Terry se fue de Vancouver a las Açores dejándome para cumplir mi promesa. 2010-11 Volví a pasar el año en la casa familiar en Portugal con un plan de dedicar un mes a recolectar material para la exposición. Empecé a leer sobre arte popular y artistas visitantes y, antes de darme cuenta, había sido absorbido por tratar de comprender toda la era de la dictadura y cómo había reconfigurado la poesía, la filosofía, la literatura, el arte, la arquitectura y la historia y la posición del arte popular. dentro de este universo. Pronto toda la historia portuguesa, o más bien la escritura y espectacularización de la historia portuguesa, me tragó por completo. Cinco años después, la exposición y el libro surgieron de estos laberintos.

Muchos de los artistas nunca han sido expuestos antes... ¿Esto afectó su proceso con ellos? ¿Si es así, cómo?

Originalmente, Terry y yo habíamos decidido que haría más interesante el proceso de preparación de la exposición si nos propusiéramos la tarea de "descubrir" al menos a cinco nuevos artistas. Lo hicimos, pero lamentablemente no fue el descubrimiento de lo nuevo lo que me marcó, sino la muerte de lo viejo. Cuatro de los artistas de la exposición fallecieron en los cinco años que me llevó preparar la muestra. Eso fue abrumadoramente triste y me dio la impresión de que estaba presenciando el paso de un mundo con sus historias, valores, personajes atenuados y una vida en bruto lamentable pero inmensamente atractiva.

¿Cómo llegaste al diseño de la exposición?

El arte popular es un tema huérfano. Los antropólogos y los historiadores del arte se sienten incómodos con esto y los museos de antropología y las galerías de arte rara vez realizan exhibiciones atractivas. Son incapaces de extinguir las opiniones mohosas de que es rústico, ingenuo, simple, poco sofisticado, decorativo y carente de un significado más profundo. Así que después de visitar exposiciones en Londres (British Folk Art, Tate Britain 2014), Santa Fe, Dresden, Cracovia, supe que no se podía exhibir en un cubo blanco o en un set contextualizador o documental. Necesitaba algo más. Ningún color plano trabajado con las piezas. Probamos el color de la tierra Minho y el óxido, pero ninguno funcionó. Entonces Skooker, nuestro diseñador, envejeció una pieza de acero. El óxido desigual cambió la calidad de la luz y sus colores variados hicieron bailar a la colección. Después de eso, aunque tomó meses averiguarlo, el resto fue fácil. Algodón crudo para suavizar el metal y proporcionar una presencia etérea y avispada y los mapeos de proyección para inscribir poesía y vigor en toda la galería...

¿Cómo describiría su enfoque de curaduría? ¿Fue diferente para este proyecto? ¿Si es así, cómo?

Siempre me ha interesado cómo la historia nunca pasa y desaparece. El pasado se amontona y se insinúa en el presente – el ángel de la historia de Benjamin, o las pirámides estratificadas de Octavio Paz son la metáfora. Viví en México durante seis años en las décadas de 1970 y 1980, rodeada de múltiples caricaturas coexistentes. Todavía me persiguen hoy. Trato de identificar estos elementos, sugerir cómo podrían combinarse, qué crean, seguir sus rastros. Es subjetivo tratar de conjurar esencias desde una visibilidad muda.

¿Sientes que la exhibición aboga por artistas que trabajan de manera tradicional?

Cielo infierno

Recientemente llevó a un grupo a Portugal junto con la exposición. ¿Como le fue?

Empecé el recorrido diciéndoles que el viaje no era de historia ni de cultura, pero que si iba a tener éxito sería un encanto. Quería compartir con ellos las imágenes que tenía guardadas en mi memoria; calidades de luz sobre teja y agua; olores y sabores e intoxicaciones. En tiendas de museos, teatros de marionetas, monasterios y palacios buscamos este Portugal. Cenamos en paradas de camiones y en uno de los mejores restaurantes de Portugal ubicado en lo alto de las orillas del Duero con Oporto brindando la escenografía iluminada bajo la luz de la luna. Fue una idea un poco excéntrica, pero creo que funcionó bien. Una cosa extraña que hacer mente.

El libro que acompaña a la exposición es maravilloso. Va mucho más allá de simplemente documentar la exposición.

Es todo lo que sé sobre Portugal, todas esas cosas que me detienen y me hacen pensar. La sección sobre exposiciones y museología la escribí a partir de apuntes que hice siendo profesor en la Universidad de Coimbra. El resto proviene de viajes, conversaciones, lecturas y pensamientos sobre Portugal realizados durante los últimos 35 años aproximadamente. Los capítulos no continúan, por lo que tuvieron que dividirse en secciones distintas para que pudiera haber algunas coherencias. A pesar de eso, descubrí cómo escribir a través de esa obra. Quiero escribir otro ahora sobre México, de la misma manera fragmentaria. En realidad no lo es todo. Se me acabó el tiempo, así que el capítulo de los jardines y la soledad nunca se escribió. Nunca lo será porque ahora no hay dónde encajar.
————— El libro fue publicado por Figura 1
de Vancouver, BC, Canadá, y está disponible para su compra en librerías y en Amazon (enlace arriba).
Las solicitudes de publicidad pueden enviarse a Fernanda Viveiros a fernanda@raincoast.com
elaineavila Elaine Ávila es un dramaturgo canadiense/estadounidense de ascendencia azoriana. Sus obras incluyen: Jane Austen, Figura de acción, La Frontera/The Border, Teniente Monja, Tomate portugués, Burn Gloom, Kitimat, Lost in Fado. Premios seleccionados: Círculo de Críticos Victoria a la Mejor Obra Nueva, Programa Literario Internacional DISQUIET en Lisboa Premio Obra Corta, Mejor Obra Nueva / Favorita del Público Festival de los Cocos, Ciudad de Panamá. Ha enseñado en universidades desde la Columbia Británica hasta Tasmania, desde China hasta Panamá. Es asociada del Playwrights Theatre Center en Vancouver, Canadá y dramaturga residente en la Universidad de Western Washington. Publicaciones: NoPassport Press (Figura de acción de Jane Austen y otras obras, 2012)